martes, 27 de enero de 2015

El león de San Marcos (por Alba Perez Romero)


Usualmente, San Marcos es representado con un león a su lado. Por qué?



Para responder a este interrogante debemos referirnos al llamado "tetramorfo", representación simbólica de los cuatro evangelistas mediante los cuatro seres alados de las visiones de Ezequiel (cap. 1) y San Juan (Apocalipsis, 4)



La iconografía se explica por asociación con las palabras iniciales de cada evangelio según la traducción realizada por San Jerónimo. Así, pues, 


- El ángel u hombre se asocia a San Mateo, ya que su evangelio comienza con la genealogía de Jesucristo. 

- El león, con San Marcos (por referencia a la expresión “ésta es la voz que clama en el desierto")

- El toro con San Lucas, quien se refiere a "entrar en el templo a ofrecer incienso", sugiriendo la idea de sacrificio
- El águila con San Juan, en virtud del carácter metafísico (y por ende elevado) de su escritura. 



El león se convirtió en símbolo de Venecia. 




Asimismo, cada año, el Festival de Cine de Venecia entrega el "León de Oro" como máximo galardón del evento. 



lunes, 26 de enero de 2015

Virginales y violoncellos, ... o doncellas y cortesanas en la obra de Vermeer (por Alba Perez Romero)

En esta obra del holandés Jan Vermeer podemos ver una dama de pie frente a un virginal,  instrumento de cuerdas cuyo nombre se debe a que usualmente era tocado por mujeres jóvenes. En el fondo, se divisa un cuadro que retrata a Cupido sosteniendo una carta, símbolo de la preferencia por un único amor.




En cambio, en esta otra obra donde una joven está sentada frente al mismo instrumento, se puede ver al fondo un cuadro que muestra a una prostituta simbolizando el amor en venta, el amor de muchos. El violoncello sugiere que esta mujer está esperando a un hombre, o bien que el señor ya se ha ido.




sábado, 24 de enero de 2015

El cuadro más grande del mundo.(por Alba Perez Romero)

El cuadro más grande del mundo fue pintado por Paul Philippoteaux (1846-1923), y es el  "Ciclorama de la Batalla de Gettysburg", de 1883.. Un ciclorama es una pintura en 360 grados, cuyo objetivo es que el espectador pueda "sumergirse" en la escena y experimentar una vivencia lo más cercana posible a la original.  Para incrementar el efecto solían además incorporarse al conjunto elementos escultóricos, objetos, modelos y réplicas en tamaño natural 

La obra mide 125 metros de longitud por 21 metros de altura y su peso supera las cinco toneladas. Para su realización, el autor pasó varias semanas en el sitio de la batalla de Gettysburg, haciendo esbozos y bosquejos, y  fotografiando la escena. Investigó asimismo extensivamente el desarrollo de la batalla y entrevistó a oficiales sobrevivientes del combate, basando parte de la descripción en sus recuerdos. 





viernes, 23 de enero de 2015

Yves Saint Laurent se inspira en Mondrian (por Alba Perez Romero)


Amante del arte, Yves Saint Laurent estableció reiteradamente un diálogo entre la pintura y la moda.  Así pues, la icónica tapa de la edición parisina de Vogue de septiembre de 1965, nos muestra uno de los seis vestidos que Saint-Laurent diseñó inspirándose en el movimiento modernista holandés denominado "De Stijl’, y particularmente, en la obra de Mondrian. 






Otras obras del diseñador homenajearon a van Gogh, 


a Matisse, 


a Braque, 

a Picasso ...











miércoles, 21 de enero de 2015

Nubes "de interior" para Lagerfeld, Versace y Dolce&Gabbana (por Alba Perez Romero)


Berndnaut Smilde es un artista holandés que ha provocado una tormenta en el mundo del arte y la moda. Lo ha hecho de forma literal, con la creación de nubes dentro de espacios cerrados. Combinando máquinas de humo y agua, y prestando especial atención a los efectos luminosos, sus obras, que sobreviven apenas un par de segundos, quedan plasmadas en imágenes fotográficas únicas. 



Una edición especial de la revista Harpers Bazaar exhibió fotos de Karl Lagerfeld, Donatella Versace, y Domenico Dolce y Stefano Gabbana (entre otros) junto a estas efímeras nubes.    





El video que consignamos a continuación, de 4 minutos de duración, editado en español por la Deutsche Welle, nos muestra algunos de los aspectos más interesantes de este proceso creativo


martes, 20 de enero de 2015

Walt Disney y Salvador Dalí (por Alba Perez Romero)

El empresario y creativo estadounidense Walt Disney y el pintor surrealista español Salvador Dalí trabajaron juntos en el año 1945. Produjeron un exquisito cortometraje de 6 minutos de duración sobre música de Armando Dominguez al que llamaron "Destino", en el que se relata la historia de un amor imposible entre Cronos, una de las divinidades primordiales de la mitología grecorromana, y una mujer mortal, representada como una bailarina.  



A continuación, el video





miércoles, 14 de enero de 2015

Molenaer: niños, juegos, música y símbolos (por Alba Perez Romero)

Dos niños y una niña haciendo música es una obra de Jan Miense Molenaer de 1629. El artista la firmó -con sus iniciales y la fecha- en el arcón que se encuentra en la esquina inferior izquierda. La estrategia de marketing de Molenaer, compartida por la mayor parte de los artistas de la época en los Países Bajos, consistió en especializarse en un tipo característico de temática pictórica, de modo tal que los compradores que estuvieran buscando ese tipo de pintura pensaran inmediatamente en él. 




En este caso, uno de los niños toca el violín mientras que la niña golpea un casco con un par de cucharas. El niño de la derecha está tocando un "rommelpot", esto es, un instrumento hecho con una jarra con agua cubierta por una piel extendida sobre el borde. Una ramita perfora esa membrana de modo tal que al moverla se producen sonidos. El palo de "kolf" (un juego similar al golf) apoyado contra la pared del fondo sugiere también instancias de juego y recreación.


Pero hay algunos otros detalles en el conjunto que podrían implicar que el artista está tratando de comunicar más de lo que podríamos conjeturar en una primera aproximación. 



1. Por ejemplo, el niño de la derecha está sentado en una silla plegadiza del tipo habitualmente usado por las tropas en campaña. El arcón es también un objeto utilizado por soldados en movimiento. La nena en el centro lleva un "gorget" (parte frontal de una armadura) y además, como ya comentamos, golpea un casco. 



2. Jaulas para pájaros, dispositivos para mantener los pies calientes, y libros eran especialmente populares en las pinturas holandesas de la época. Varios de tales objetos conllevan una significación simbólica, por lo que es probable que el artista proporcionara diferentes "capas interpretativas" accesibles a diferentes tipos de espectadores. Por ejemplo, la jaula pudo haber sido incluida para indicar que estos niños "dejarían el nido" algún día en su viaje hacia la edad adulta.

lunes, 12 de enero de 2015

El cuerpo humano de las Venus Paleolíticas a los bronces de Riace (por Alba Perez Romero)

La Venus de Willendorf, que hoy se encuentra en el Museo de Historia Natural de Viena es una pequeña figura que se caracteriza por la exageración de su morfología sexual, pechos, cadera. Estas exageraciones constituyen nítidos símbolos de fertilidad y constituyen el objeto central de la representación artística, en desmedro de cualquier otro rasgo, incluyendo el rostro. 




Figuras similares, tanto por sus exageraciones como por sus omisiones de idénticas características se han encontrado en todo el territorio euroasiático.


Esta otra "Venus paleolítica", conocida como la "Venus de Laussel" fue tallada hace aproximadamente 25.000 años en una roca en el valle de Dordogne, en el sur de Francia. Pechos muy marcados, vientre y muslos abultados repiten las características de otras esculturas contemporáneas en distintas partes del mundo. La cabeza, sin rasgos que distingan el rostro, está en este caso vuelta hacia el costado, como contemplando el cuerno que sostiene con su brazo derecho. Este cuerno es considerado por ciertas interpretaciones como símbolo del misterio de la fertilidad. La talla todavía conserva algunos rastros de su pintura ocre original.



Los egipcios, que valoraban especialmente la consistencia, el orden y la solidez de su sociedad, abandonaron las exageraciones ancestrales y eligieron un modo de aproximación cuasi matemático a la representación del cuerpo humano. De este modo, representaron cada parte del cuerpo desde el ángulo que resulta más inmediatamente reconocible, aun cuando la combinación de tales posturas resulte evidentemente imposible en la realidad. Su estilo, claramente identificable, se mantuvo además prácticamente inalterado durante milenios.




El efebo (joven atleta) de Critios (en alusión al escultor a quien se atribuye la obra) es una escultura en mármol representativa del período clásico temprano en el arte griego (datada hacia el año 480 aC) y uno de los primeros ejemplos de "contraposto", término con que se denomina a aquella pose de la figura humana en que el peso del cuerpo descansa sobre una de las piernas haciendo que los hombros y brazos aparezcan desplazados en relación al eje de la cadera, dándole a la figura una estampa más dinámica o más relajada, según el caso. Su altura es de 86 cm. El torso fue encontrado en la Acrópolis de Atenas en el año 1865 por el arqueólogo francés Beulé junto con otros numerosos restos de obras sacras que habían sido destruidas por los persas durante su ocupación de la ciudad y que los atenienses enterraron cuidadosamente al recuperar el control del territorio. La cabeza fue encontrada 23 años más tarde. Actualmente se exhibe en el Museo de la Acrópolis de Atenas.




Una generación más tarde que la que produjo la figura del efebo de Critios, los griegos habían abandonado el ultra-realismo en favor de representaciones exageradas del cuerpo humano. Un ejemplo de ello son los bronces de los guerreros de Riace. Se trata de dos esculturas de bronce de tamaño natural de dos guerreros enteramente desnudos, datadas hacia mediados del siglo V aC que fueron encontradas en 1972 por Stefano Mariottini mientras hacía snorkeling durante sus vacaciones. Lo primero que vio fue un fragmento del brazo izquierdo que emergía de la arena del fondo y si bien al principio pensó que se trataba de un cadáver, al tocarlo reparó en que se trataba de una estatua. De a poco fue descubriendo el resto del cuerpo, así como una segunda estatua localizada en las proximidades. Notificadas las autoridades, ambas esculturas fueron sacadas del agua una semana después. El primer episodio del documental "How art made the world" incluye una entrevista a Stefano Mariottini donde éste cuenta su historia. 




Ambos bronces son excelentes ejemplos de contraposto (el peso del cuerpo recae sobre una de las piernas, desplazando el eje de simetría entre hombros y cadera). Sus cabezas también giran hacia un lado. Los ojos están hechos de hueso y vidrio, los dientes, de plata y las tetillas, de cobre. Aparentemente en algún momento debieron sostener lanzas y escudos, y portar yelmos o coronas pero estos elementos adicionales no se han encontrado (aún).

jueves, 8 de enero de 2015

Escenas religiosas y moda femenina (por Alba Perez Romero)

Esta obra representa el nacimiento de la Virgen María por Jacob Cornelisz van Oostsanen (Oostsanen, 1470 – Amsterdam, 1533). Se trata de un óleo sobre tabla en el que aparecen varios grupos de mujeres atendiendo a la madre (Ana) y a su bebé (María) inmediatamente después del nacimiento. En una escena interior plena de personajes, el autor nos permite conocer las características de la indumentaria femenina de la época. 




En cuanto a la cabellera, como en la época era considerada indecorosa su exhibición, puede observarse que las mujeres solían llevar el cabello largo de modo de poder recogérselo en trenzas que luego escondían bajo pañuelos o velos. Por lo demás, las cabelleras rubias eran especialmente apreciadas y se acudía a diversos procedimientos para obtener esa tonalidad (básicamente, exposición al sol o tratamientos con henna). 



El colorido de la ropa era asimismo un claro indicador de posición social, ya que sólo las mujeres de los sectores más acomodados podían acceder a textiles que hubieran sido procesados con tintura. Por lo que mientras las mujeres de entornos más modestos lucían tonos naturales y ocres, por otro lado se exhibían coloridos tonos de verdes, rojos o azules. Las telas, naturalmente, eran también diferentes. Lanas y linos para los sectores de menores recursos y sedas y terciopelos para los económicamente más desahogados. 



En cuanto a los diseños, poco a poco se fueron profundizando los escotes y enfatizando las cinturas.

viernes, 2 de enero de 2015

Una pintura con horóscopo (por Alba Perez Romero)

Una pintura con "horóscopo". Una de las pocas pinturas con "horóscopo incluido" es la realizada en el siglo XVI por el pintor Christoph Amberger, (hoy en la sala 6 del Museo Thyssen-Bornemisza, en Madrid). Se trata del retrato de Matthäus Schwarz, un contador que trabajó para la familia de banqueros Fugger.




En el cuadro se lo representa apoyado junto a una ventana en cuyo alfeizar se observan una copa de vino y una hoja de papel. En esta hoja el artista anotó con toda claridad la fecha y hora de nacimiento del retratado (18:30 horas del 19 de febrero de 1497), la de la realización de la pintura (16:45 horas del 22 de marzo de 1542) y la edad de Schwarz en el momento de ser pintado: 45 años y 30 días. Se trata, sin lugar a dudas, de una tabla astrológica.



Un detalle astrológico adicional aparece en el cielo, a través de la ventana, con una serie de líneas geométricas que unen los astros.