En la ciudad de Salamanca, a 200 km de Madrid, se encuentra la Casa Lis, Museo
del Art Nouveau y del Art Deco, que alberga una maravillosa colección de 122
pequeñas esculturas decorativas “criselefantinas”, esto es, cuya factura combina
el marfil con otros materiales como oro, bronce, madera o mármol. Las
criselefantinas Art Nouveau suelen representar personajes mitológicos,
estereotipos orientales o figuras femeninas retratadas a medio camino entre la
realidad y la fantasía. Por su parte, frente a las líneas curvas y la sinuosidad
orgánica propia del Art Nouveau, el Art Déco opta por las líneas rectas y los
volúmenes geométricos.
A continuación, una selección de tres piezas Art Nouveau:
Las Salas 16 y 17 del Museo Nacional de Bellas Artes constituyen "una experiencia diferente" en materia de exhibición de obras de arte. En efecto, lejos de responder a los criterios curatoriales regulares, ya sea estilísticos o temáticos, ellas albergan más de 600 piezas donadas por la familia Guerrico, pero evocando los modos de exposición hogareña de las colecciones particulares de hace más de un siglo atrás.
Sobre paredes rojas, la sala 16 presenta así una impresionante colección de cuadros que, al igual que en el hogar de los Guerrico, cubre las paredes de piso a techo, mientras que las esculturas se ubican en el espacio central. La sala 17 por su parte, exhibe retratos familiares, y multitud de objetos de lo más diversos, que van desde sahumadores de plata coloniales a peinetones o abanicos de la época de Rosas.
Y ya que lo mencionamos, este personaje mucho tuvo que ver en la historia de esta colección, iniciada precisamente a raíz del asesinato de Manuel Vicente Maza y la ejecución de su hijo Ramón Maza, suegro y cuñado, respectivamente de Manuel José Guerrico, implicados en su momento en un complot para derribar al régimen rosista, asesinato y ejecución perpetrados por parte de la Mazorca, cuerpo policial y brazo armado del tirano.
Al igual que tantos opositores al régimen de Rosas, se exilia Manuel Jose Guerrico entonces con su familia en Paris, donde residirá desde 1839, y es allí donde inicia su emprendimiento coleccionista, que orgullosamente importará a la Argentina a su regreso, una década después. Y ya en 1925 su hijo menor Prudencio donará 22 obras para dar impulso inicial al Museo Nacional de Bellas Artes, aunque el mayor aporte de la familia en tal sentido se verificará en 1938, con la donación de 627 piezas, entre las cuales se cuentan más de 100 cuadros y 40 esculturas.
Entre los cuadros, por ejemplo, no podemos omitir la mención de dos obras de Tiepolo (“Los hebreos recogiendo maná del desierto” y “El sacrificio de Melquisedec”), un “San Francisco en meditación” de Zurbarán o el enorme óleo de Jules Lefebvre ganador del premio de la Exposicion de Paris de 1879, “Diana sorprendida” que por sus excepcionales dimensiones atrae inmediatamente la mirada del visitante.
Entre las esculturas, por su parte, resultan "imperdibles" la deliciosa “Bañista sentada” de Antonio Carlo Tantardini y el potente bronce “La defensa”, de Auguste Rodin, mencionar apenas un par.
Antes de abandonar este peculiar rincón del museo tal vez se imponga realizar en la sala 17, un pequeño acto de homenaje al iniciador de la colección. Démonos un momento para buscar con la mirada su retrato, realizado durante el tiempo de su exilio europeo, en el que a los 42 años y lejos, muy lejos del obligatorio “bigote federal” que por entonces se imponía coercitivamente por estas pampas bajo amenaza de degüello, un culto y elegante Manuel José de Guerrico, primer coleccionista argentino de arte, nos mira de frente, sereno y elegante, y fiel a sus principios, con una impecable barba “unitaria” prolijamente recortada en forma de U.
Apostaría que toda vez que pensamos en esculturas procedentes de la Grecia o Roma antiguas, tendemos a imaginamos figuras de un blanco inmaculado. Sin embargo, tal como aparece documentado en la decoración de la cratera de mediados del siglo IV aC que acompaña este texto, exhibida en el Metropolitan Museum of Art de New York, lo cierto es que los escultores pintaban sus obras.
La evidencia arqueológica confirma plenamente dicha práctica ya que un número sumamente significativo de piezas ha presentado restos de policromía. Un caso paradigmático es el del templo de Afaia en la isla de Egina, Grecia, datado hacia el año 500 antes de Cristo: sus frontones se encontraban decorados con escenas de la guerra de Troya cuyos personajes exhibían claros restos de pigmentos azules y rojos.
En el año 2006, el matrimonio de los arqueólogos Vinzenz Brinkmann y Ulrike Koch efectuó estudios de estas figuras, y particularmente del arquero del frontón del templo de Afaia, empleando alta tecnología, y confirmó que la escultura había estado íntegramente pintada en una notable gama de colores, diseños geométricos y elementos decorativos. Decidieron entonces emprender una reconstrucción en yeso de dicha escultura para mostrarla conforme lo que pudo ser su policromía original. La reproducción fue exhibida inicialmente en la Glyptothek de Munich, donde se encuentra por cierto el original de la obra en cuestión. Poco a poco los Brinkmann fueron elaborando una significativa colección de versiones policromadas de diversas esculturas que actualmente integran una exposición itinerante denominada “Dioses en color”.
Existen en el mundo numerosos homenajes a The Beatles. En este artículo presentamos una selección de representaciones tridimensionales de la banda, realizadas en materiales y formatos diversos.
En primer lugar, las monumentales esculturas de David Adickes en Houston.
En segundo término, la versión "fotográfica" del grupo realizada por Andrew Edwards, en Liverpool.
Tercero, las siluetas metálicas sobre un pavimento diseñado a la manera de un disco de vinilo ubicadas en la Beatles Platz de Hamburg, ciudad donde comenzaron su carrera, (y que al referirse a esta etapa inicial incluye por lo tanto la figura de Stuart Sutcliffe).
Cuarto, la icónica representación en cera del Museo Madame Toussaud en Londres
Y quinta y última de esta serie, la siguiente representación tipo souvenir, realizada en cristal de Murano, sobre base espejada.
La Venus de Willendorf, que hoy se encuentra en el Museo de Historia Natural de Viena es una pequeña figura que se caracteriza por la exageración de su morfología sexual, pechos, cadera. Estas exageraciones constituyen nítidos símbolos de fertilidad y constituyen el objeto central de la representación artística, en desmedro de cualquier otro rasgo, incluyendo el rostro.
Figuras similares, tanto por sus exageraciones como por sus omisiones de idénticas características se han encontrado en todo el territorio euroasiático.
Esta otra "Venus paleolítica", conocida como la "Venus de Laussel" fue tallada hace aproximadamente 25.000 años en una roca en el valle de Dordogne, en el sur de Francia. Pechos muy marcados, vientre y muslos abultados repiten las características de otras esculturas contemporáneas en distintas partes del mundo. La cabeza, sin rasgos que distingan el rostro, está en este caso vuelta hacia el costado, como contemplando el cuerno que sostiene con su brazo derecho. Este cuerno es considerado por ciertas interpretaciones como símbolo del misterio de la fertilidad. La talla todavía conserva algunos rastros de su pintura ocre original.
Los egipcios, que valoraban especialmente la consistencia, el orden y la solidez de su sociedad, abandonaron las exageraciones ancestrales y eligieron un modo de aproximación cuasi matemático a la representación del cuerpo humano. De este modo, representaron cada parte del cuerpo desde el ángulo que resulta más inmediatamente reconocible, aun cuando la combinación de tales posturas resulte evidentemente imposible en la realidad. Su estilo, claramente identificable, se mantuvo además prácticamente inalterado durante milenios.
El efebo (joven atleta) de Critios (en alusión al escultor a quien se atribuye la obra) es una escultura en mármol representativa del período clásico temprano en el arte griego (datada hacia el año 480 aC) y uno de los primeros ejemplos de "contraposto", término con que se denomina a aquella pose de la figura humana en que el peso del cuerpo descansa sobre una de las piernas haciendo que los hombros y brazos aparezcan desplazados en relación al eje de la cadera, dándole a la figura una estampa más dinámica o más relajada, según el caso. Su altura es de 86 cm. El torso fue encontrado en la Acrópolis de Atenas en el año 1865 por el arqueólogo francés Beulé junto con otros numerosos restos de obras sacras que habían sido destruidas por los persas durante su ocupación de la ciudad y que los atenienses enterraron cuidadosamente al recuperar el control del territorio. La cabeza fue encontrada 23 años más tarde. Actualmente se exhibe en el Museo de la Acrópolis de Atenas.
Una generación más tarde que la que produjo la figura del efebo de Critios, los griegos habían abandonado el ultra-realismo en favor de representaciones exageradas del cuerpo humano. Un ejemplo de ello son los bronces de los guerreros de Riace. Se trata de dos esculturas de bronce de tamaño natural de dos guerreros enteramente desnudos, datadas hacia mediados del siglo V aC que fueron encontradas en 1972 por Stefano Mariottini mientras hacía snorkeling durante sus vacaciones. Lo primero que vio fue un fragmento del brazo izquierdo que emergía de la arena del fondo y si bien al principio pensó que se trataba de un cadáver, al tocarlo reparó en que se trataba de una estatua. De a poco fue descubriendo el resto del cuerpo, así como una segunda estatua localizada en las proximidades. Notificadas las autoridades, ambas esculturas fueron sacadas del agua una semana después. El primer episodio del documental "How art made the world" incluye una entrevista a Stefano Mariottini donde éste cuenta su historia.
Ambos bronces son excelentes ejemplos de contraposto (el peso del cuerpo recae sobre una de las piernas, desplazando el eje de simetría entre hombros y cadera). Sus cabezas también giran hacia un lado. Los ojos están hechos de hueso y vidrio, los dientes, de plata y las tetillas, de cobre. Aparentemente en algún momento debieron sostener lanzas y escudos, y portar yelmos o coronas pero estos elementos adicionales no se han encontrado (aún).
El "Políptico de Gante" ostenta a la fecha el "honor" de constituir la obra más robada, desarmada y recuperada (aunque parcialmente) en la historia del arte. De dimensiones monumentales (3,70 x 5.20 metros), consta de 12 tablas pintadas al óleo de ambos lados por los hermanos van Eyck.
Político de Gante cerrado
Políptico de Gante abierto
Entre sus muchos avatares, la obra fue tomada por Napoleón como trofeo de guerra (y devuelta luego de su caída), algunos de sus paneles fueron vendidos por la propia iglesia, llegando a formar parte de la colección personal de Federico Guillermo III de Prusia (y devueltos luego del Tratado de Versalles), y su sustraccion más reciente fue dispuesta por Hitler, quien ordenó se la escondiera -junto a otras numerosas obras maestras- en unas minas de sal en los Alpes Austríacos. El grupo especial aliado conocido como "The Monuments Men" logró recuperarla.
A la fecha se expone en la catedral de Gante, en Bélgica, su "hogar" natural, tras un grueso vidrio antibalas. Junto al edificio, se yergue el monumento a los hermanos Van Eyck.
Lo que todavía no se recuperó es una de las dos tablas robadas en 1934, la de "Los jueces justos": Los ladrones devolvieron espontáneamente una de ellas pero el gobierno belga no aceptó pagar el rescate de la otra y a la fecha la tabla sigue perdida.
Los "orantes" sumerios son pequeñas efigies que funcionaban ritualmente como "dobles" de los seres a quienes representaban. Confeccionadas en materiales tales como alabastro o diorita, con incrustaciones de lapislazuli, se caracterizan por sus manos unidas en actitud de oración (de allí su nombre), sus grandes ojos muy abiertos y una suave sonrisa, que las torna muy diferentes de sus parientes egipcias.
Entre las más famosas podemos mencionar dos que se encuentran en el Museo del Louvre: la de Ebih II, intendente de Mari (en el Eufrates medio), hallada en el templo de Ishtar y datada hacia el 2400 AC
y la de Gudea, príncipe de Lagash, hallada en Tello (antigua Girsu), realizada en diorita y datada hacia el 2120 AC. Ambas tienen una altura aproximada de 50 cm. La de Gudea tiene además en el frente una serie de líneas de escritura, por lo que se interpreta que constituye una especie de exvoto.
Con el adjetivo "criselefantinas" se alude a aquellas estatuas realizadas mediante una combinación de oro (en griego, krusos) y marfil (en griego, elefantinas). Sus dos ejemplos más paradigmáticos del período clásico están constituidos por dos obras del escultor Fidias: una de ellas, de pie, la de Atenea Partenos, ubicada originariamente en el interior del Partenón, en la acrópolis de Atenas, y la otra, sentada, la de Zeus, ubicada originariamente en el Templo del dios en Olimpia, localidad donde se encuentran asimismo las ruinas del taller de su escultor.
El marfil se aplicaba a las partes correspondientes a la piel en tanto que el oro se reservaba para el cabello y los ropajes, armaduras y calzado. Ambas obras revestian el carácter de figuras de culto y eran de grandes dimensiones. La de Atenas Partenos, por ejemplo, superaba los 12 metros de altura.
Pero no se trataba solamente de objetos de culto. También constituían una "reserva de valor" bajo la forma de un "tesoro sagrado". Así, por ejemplo, la Atenea Partenos de Fidias sostenía una Niké (o victoria) en la mano, íntegramente realizada en oro macizo. En tiempos de prosperidad se realizaban varias copias de esta estatua más pequeña, que en caso de crisis podían fundirse. Las propias estatuas se hacían en forma modular para permitir su deconstrucción y reconstrucción parcial. Por lo demás, la seguridad de tales objetos se encontraba preservada no sólo por su carácter sagrado (y por ende al menos en cierta medida disuasivo de acciones delictivas) sino también por la constante presencia de sacerdotes, sacerdotisas y personal de mantenimiento de los templos que a su manera implicaban un mecanismo de guardia adicional.
A la fecha, y por las razones apuntadas, no han quedado prácticamente rastros de ninguna de ambas estatuas, salvo algunos moldes encontrados en el taller de Fidias en Olimpia para su estatua de Zeus, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo.
Por extensión, y modernamente, el término criselefantina se ha aplicado también a pequeñas obras del estilo Art Nouveau que combinan no sólo marfil y oro sino también bronce, mármol, plata u ónix.
La imagen de Atenea Partenos que acompaña estas líneas corresponde a una reproducción moderna creada por Adam Le Quire en 1990 que se encuentra en el llamado Partenón de Nashville. Esta construcción constituye una reproducción a escala real del Partenón de Atenas y fue realizada en 1897 para una Exposición conmemorativa del centenario de la unión del estado de Tennessee a los Estados Unidos.
Algunas escenas de la película "Percy Jackson and the Lightning Thief" fueron filmadas en su interior.
Amantes, por Ernst Seger,
y Baiilarina rusa, por Paul Philippe,
y otras tres piezas Art Deco: 
Bufones, por Roland Paris,
y Bailarina, por Theo Vos.
