miércoles, 14 de enero de 2015

Molenaer: niños, juegos, música y símbolos (por Alba Perez Romero)

Dos niños y una niña haciendo música es una obra de Jan Miense Molenaer de 1629. El artista la firmó -con sus iniciales y la fecha- en el arcón que se encuentra en la esquina inferior izquierda. La estrategia de marketing de Molenaer, compartida por la mayor parte de los artistas de la época en los Países Bajos, consistió en especializarse en un tipo característico de temática pictórica, de modo tal que los compradores que estuvieran buscando ese tipo de pintura pensaran inmediatamente en él. 




En este caso, uno de los niños toca el violín mientras que la niña golpea un casco con un par de cucharas. El niño de la derecha está tocando un "rommelpot", esto es, un instrumento hecho con una jarra con agua cubierta por una piel extendida sobre el borde. Una ramita perfora esa membrana de modo tal que al moverla se producen sonidos. El palo de "kolf" (un juego similar al golf) apoyado contra la pared del fondo sugiere también instancias de juego y recreación.


Pero hay algunos otros detalles en el conjunto que podrían implicar que el artista está tratando de comunicar más de lo que podríamos conjeturar en una primera aproximación. 



1. Por ejemplo, el niño de la derecha está sentado en una silla plegadiza del tipo habitualmente usado por las tropas en campaña. El arcón es también un objeto utilizado por soldados en movimiento. La nena en el centro lleva un "gorget" (parte frontal de una armadura) y además, como ya comentamos, golpea un casco. 



2. Jaulas para pájaros, dispositivos para mantener los pies calientes, y libros eran especialmente populares en las pinturas holandesas de la época. Varios de tales objetos conllevan una significación simbólica, por lo que es probable que el artista proporcionara diferentes "capas interpretativas" accesibles a diferentes tipos de espectadores. Por ejemplo, la jaula pudo haber sido incluida para indicar que estos niños "dejarían el nido" algún día en su viaje hacia la edad adulta.

lunes, 12 de enero de 2015

El cuerpo humano de las Venus Paleolíticas a los bronces de Riace (por Alba Perez Romero)

La Venus de Willendorf, que hoy se encuentra en el Museo de Historia Natural de Viena es una pequeña figura que se caracteriza por la exageración de su morfología sexual, pechos, cadera. Estas exageraciones constituyen nítidos símbolos de fertilidad y constituyen el objeto central de la representación artística, en desmedro de cualquier otro rasgo, incluyendo el rostro. 




Figuras similares, tanto por sus exageraciones como por sus omisiones de idénticas características se han encontrado en todo el territorio euroasiático.


Esta otra "Venus paleolítica", conocida como la "Venus de Laussel" fue tallada hace aproximadamente 25.000 años en una roca en el valle de Dordogne, en el sur de Francia. Pechos muy marcados, vientre y muslos abultados repiten las características de otras esculturas contemporáneas en distintas partes del mundo. La cabeza, sin rasgos que distingan el rostro, está en este caso vuelta hacia el costado, como contemplando el cuerno que sostiene con su brazo derecho. Este cuerno es considerado por ciertas interpretaciones como símbolo del misterio de la fertilidad. La talla todavía conserva algunos rastros de su pintura ocre original.



Los egipcios, que valoraban especialmente la consistencia, el orden y la solidez de su sociedad, abandonaron las exageraciones ancestrales y eligieron un modo de aproximación cuasi matemático a la representación del cuerpo humano. De este modo, representaron cada parte del cuerpo desde el ángulo que resulta más inmediatamente reconocible, aun cuando la combinación de tales posturas resulte evidentemente imposible en la realidad. Su estilo, claramente identificable, se mantuvo además prácticamente inalterado durante milenios.




El efebo (joven atleta) de Critios (en alusión al escultor a quien se atribuye la obra) es una escultura en mármol representativa del período clásico temprano en el arte griego (datada hacia el año 480 aC) y uno de los primeros ejemplos de "contraposto", término con que se denomina a aquella pose de la figura humana en que el peso del cuerpo descansa sobre una de las piernas haciendo que los hombros y brazos aparezcan desplazados en relación al eje de la cadera, dándole a la figura una estampa más dinámica o más relajada, según el caso. Su altura es de 86 cm. El torso fue encontrado en la Acrópolis de Atenas en el año 1865 por el arqueólogo francés Beulé junto con otros numerosos restos de obras sacras que habían sido destruidas por los persas durante su ocupación de la ciudad y que los atenienses enterraron cuidadosamente al recuperar el control del territorio. La cabeza fue encontrada 23 años más tarde. Actualmente se exhibe en el Museo de la Acrópolis de Atenas.




Una generación más tarde que la que produjo la figura del efebo de Critios, los griegos habían abandonado el ultra-realismo en favor de representaciones exageradas del cuerpo humano. Un ejemplo de ello son los bronces de los guerreros de Riace. Se trata de dos esculturas de bronce de tamaño natural de dos guerreros enteramente desnudos, datadas hacia mediados del siglo V aC que fueron encontradas en 1972 por Stefano Mariottini mientras hacía snorkeling durante sus vacaciones. Lo primero que vio fue un fragmento del brazo izquierdo que emergía de la arena del fondo y si bien al principio pensó que se trataba de un cadáver, al tocarlo reparó en que se trataba de una estatua. De a poco fue descubriendo el resto del cuerpo, así como una segunda estatua localizada en las proximidades. Notificadas las autoridades, ambas esculturas fueron sacadas del agua una semana después. El primer episodio del documental "How art made the world" incluye una entrevista a Stefano Mariottini donde éste cuenta su historia. 




Ambos bronces son excelentes ejemplos de contraposto (el peso del cuerpo recae sobre una de las piernas, desplazando el eje de simetría entre hombros y cadera). Sus cabezas también giran hacia un lado. Los ojos están hechos de hueso y vidrio, los dientes, de plata y las tetillas, de cobre. Aparentemente en algún momento debieron sostener lanzas y escudos, y portar yelmos o coronas pero estos elementos adicionales no se han encontrado (aún).

jueves, 8 de enero de 2015

Escenas religiosas y moda femenina (por Alba Perez Romero)

Esta obra representa el nacimiento de la Virgen María por Jacob Cornelisz van Oostsanen (Oostsanen, 1470 – Amsterdam, 1533). Se trata de un óleo sobre tabla en el que aparecen varios grupos de mujeres atendiendo a la madre (Ana) y a su bebé (María) inmediatamente después del nacimiento. En una escena interior plena de personajes, el autor nos permite conocer las características de la indumentaria femenina de la época. 




En cuanto a la cabellera, como en la época era considerada indecorosa su exhibición, puede observarse que las mujeres solían llevar el cabello largo de modo de poder recogérselo en trenzas que luego escondían bajo pañuelos o velos. Por lo demás, las cabelleras rubias eran especialmente apreciadas y se acudía a diversos procedimientos para obtener esa tonalidad (básicamente, exposición al sol o tratamientos con henna). 



El colorido de la ropa era asimismo un claro indicador de posición social, ya que sólo las mujeres de los sectores más acomodados podían acceder a textiles que hubieran sido procesados con tintura. Por lo que mientras las mujeres de entornos más modestos lucían tonos naturales y ocres, por otro lado se exhibían coloridos tonos de verdes, rojos o azules. Las telas, naturalmente, eran también diferentes. Lanas y linos para los sectores de menores recursos y sedas y terciopelos para los económicamente más desahogados. 



En cuanto a los diseños, poco a poco se fueron profundizando los escotes y enfatizando las cinturas.

viernes, 2 de enero de 2015

Una pintura con horóscopo (por Alba Perez Romero)

Una pintura con "horóscopo". Una de las pocas pinturas con "horóscopo incluido" es la realizada en el siglo XVI por el pintor Christoph Amberger, (hoy en la sala 6 del Museo Thyssen-Bornemisza, en Madrid). Se trata del retrato de Matthäus Schwarz, un contador que trabajó para la familia de banqueros Fugger.




En el cuadro se lo representa apoyado junto a una ventana en cuyo alfeizar se observan una copa de vino y una hoja de papel. En esta hoja el artista anotó con toda claridad la fecha y hora de nacimiento del retratado (18:30 horas del 19 de febrero de 1497), la de la realización de la pintura (16:45 horas del 22 de marzo de 1542) y la edad de Schwarz en el momento de ser pintado: 45 años y 30 días. Se trata, sin lugar a dudas, de una tabla astrológica.



Un detalle astrológico adicional aparece en el cielo, a través de la ventana, con una serie de líneas geométricas que unen los astros.

miércoles, 17 de diciembre de 2014

La bandera inglesa en el billete de dos dólares (por Alba Perez Romero)

La Declaración de Independencia de los Estados Unidos se aprobó el 4 de Julio de 1776.

Unos años más tarde, el pintor John Trumbull, quien había trabajado como asistente de George Washington, llevó al lienzo ese momento. En la pintura se observa la presentación del documento al Congreso mientras que en el fondo permanecen aún las banderas del Reino Unido y de Inglaterra.




Actualmente, la pintura se encuentra en el Capitolio de los Estados Unidos y, curiosamente, está reproducida en el reverso del billete de dos dólares. En otras palabras, la moneda de Estados Unidos lleva en su reverso las banderas de Inglaterra (con la cruz de San Jorge) y del Reino Unido (la llamada "Union Jack"), ocultas tras la leyenda "The United States of America".



lunes, 15 de diciembre de 2014

La travesía del "Políptico de Gante" (por Alba Perez Romero)


El "Políptico de Gante" ostenta a la fecha el "honor" de constituir la obra más robada, desarmada y recuperada (aunque parcialmente) en la historia del arte. De dimensiones monumentales (3,70 x 5.20 metros), consta de 12 tablas pintadas al óleo de ambos lados por los hermanos van Eyck.

Político de Gante cerrado

Políptico de Gante abierto

Entre sus muchos avatares, la obra fue tomada por Napoleón como trofeo de guerra (y devuelta luego de su caída), algunos de sus paneles fueron vendidos por la propia iglesia, llegando a formar parte de la colección personal de Federico Guillermo III de Prusia (y devueltos luego del Tratado de Versalles), y su sustraccion más reciente fue dispuesta por Hitler, quien ordenó se la escondiera -junto a otras numerosas obras maestras- en unas minas de sal en los Alpes Austríacos. El grupo especial aliado conocido como "The Monuments Men" logró recuperarla.

A la fecha se expone en la catedral de Gante, en Bélgica, su "hogar" natural, tras un grueso vidrio antibalas. Junto al edificio, se yergue el monumento a los hermanos Van Eyck.

Lo que todavía no se recuperó es una de las dos tablas robadas en 1934, la de "Los jueces justos": Los ladrones devolvieron espontáneamente una de ellas pero el gobierno belga no aceptó pagar el rescate de la otra y a la fecha la tabla sigue perdida.

jueves, 11 de diciembre de 2014

Goya y el escándalo de las estampillas..(por Alba Perez Romero)



Hacia 1929, el rey español Alfonso XIII autorizó la emisión de una colección de estampillas de 1, 4 y 10 pesetas en las que se representa el cuadro de Francisco de Goya y Lucientes titulado “La maja desnuda".



Realizadas por el grabador José Luis López Sánchez-Toda, la finalidad era recaudar fondos para financiar la Exposición Iberoamericana de Sevilla. Era el primer sello postal en el que aparecía un desnudo femenino y, lógicamente, para la época, fue, al mismo tiempo, un escándalo y un éxito de ventas..